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Onna: i morti ci insegnano a vivere

Non è una frase ad effetto o un semplice paradosso. Veramente i morti ci insegnano a vivere, a capire e ad amare la vita. A Onna, un paesino in provincia dell’Aquila, settantadue anni fa si compì l’eccidio di 17 vittime per mano di truppe tedesche. In quei giorni terribili il nostro infelice paese, pur vicino ai giorni luminosi della Liberazione, fu straziato dai crimini sulle popolazioni indifese che gridano oltraggio all’umana civiltà. S. Anna di Stazzema, Marzabotto, Fosse Ardeatine, S. Miniato, Onna… Fu una sequenza di ferite e di orrori che gridano a eterna vergogna di una nazione che pur si diceva fra le più avanzate e progredite. Ferite incancellabili, violenze inaudite perpetrate su uomini e donne innocenti e disarmate che viveva nella pace e nell’attesa di una vita fatta delle oneste certezze di chi confida nella naturale continuità delle cose e dei giorni: lavoro, affetti, speranze.
Tutto fu investito e sradicato come per effetto di una terribile alluvione, alluvione di ferocia e di sangue. Il sangue innocente di Onna ritorna a parlarci, oggi, del terribile sacrificio di quelle vittime che non erano guerrieri, non erano eroi, ma di cui oggi torniamo a ricordare e celebrare la memoria noialtri che scampammo alla tempesta e al furore cieco perché venimmo dopo, figli e nipoti di quelli innocenti. Pur accomunati alle vittime di oggi e di ieri, insieme alle vittime pur innocenti del terremoto dell’Aquila, a fianco di chi morì per incuria e fatalità, Onna oggi ricorda chi fu falciato crudelmente come povera erba di campo. I morti ci insegnano a vivere, ad amare la vita e confidare sempre e comunque nella speranza di una esistenza dignitosa e serena.
Per questo Aquila forever che celebra le vittime del terremoto vuole accomunare nell’uguale amorosa memoria i morti di ieri e di oggi donando alla comunità ferita di Onna una parte del pannello pittorico che tanti artisti hanno contribuito a creare.
Un piccolo gesto pur significativo che vuole rendere onore a coloro che con lo strazio del loro sacrificio ci lascia eredi di una vita ancora più preziosa e, nonostante tutto, ancora ricca di speranza e fiducia nell’umanità.

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Onna (L’Aquila)
Casa della Cultura di Onna
l’11 giugno 2015

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Casa Onna, insieme agli Archivi del Presenteismo e l’Associazione Culturale “Aquila Invicta”, presenteranno l’11 giugno 2015, in memoria dell’eccidio nazista dell’11 giugno 1944 e delle vittime del terremoto del 6 aprile 2009, nella Casa della Cultura di Onna edificata con il contributo finanziario del Governo tedesco, i due pannelli “Onna nel cuore”.

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Mostre ONNA I MORTI CI INSEGNANO A VIVERE Onna - macerieMostre ONNA I MORTI CI INSEGNANO A VIVERE Foto Casa Onna  Mostre ONNA I MORTI CI INSEGNANO A VIVERE Pannello Onna destro

 

Michelangelo Galliani: Il Dio muto

L’atmosfera sacrale che pervade lo spazio di Giuseppe Veniero a Palermo ha di certo colpito l’immaginazione di Michelangelo Galliani che ha scelto la galleria palermitana per esporre le sue ultime creazioni in questa mostra dal titolo “L’oratorio dell’inganno”. L’arte di Galliani è fatta di amore per i materiali e ricerca del perfetto equilibrio tra idea e forma. Egli ha da sempre sondato, con gli strumenti e i codici della scultura “classica”, i temi del sacro e della spiritualità: il suo percorso non poteva non prevedere una tappa palermitana presso Giuseppe Veniero Project, a due passi dall’Oratorio di S. Lorenzo che ha ospitato fino al 1969, anno del famoso trafugamento, la “Natività con i Santi Francesco e Lorenzo” del Caravaggio. Gli spazi della galleria ricordano quelli di una piccola cappella e possiedono quell’aura di sospensione metafisica che rende “sacro” un luogo.
Le sculture di Galliani, esposte dal 27 marzo al 15 maggio, mettono in scena il senso di smarrimento dell’uomo nei confronti di una dimensione divina e spirituale che si dimostra impossibile da inverare. Da qui deriva l’”inganno” del titolo, quell’inganno atroce subìto da colui che invoca la divinità ma non riceve risposta alcuna.
Simili a preziosi ex-voto, a testimonianze di preghiere inesaudite e senza senso, le sculture di Galliani si presentano sotto forma di piccoli volti marmorei incastonati, quasi come cammei, su lastre di piombo. La zona centrale della sala è occupata da un’installazione, il “Tabernacolo pagano”, costituita da tre cubi di piombo posti l’uno dentro l’altro. Attraverso dei fori è possibile scorgere, all’interno dei cubi, un cuore di marmo. Una misteriosa reliquia, emblema dell’inesausta tensione al sacro che attraversa l’opera dello scultore di Montecchio Emilia.
Nella parete in fondo alla sala campeggia un volto con un’ala. Una figura angelica che fa da inutile messaggero, da figura mediatrice tra l’uomo e una divinità che appare sempre più distante.
Le figure di Galliani non riescono a superare la barriera costituita dalle fredde superfici di piombo che rendono vani i loro sforzi ed eroica la loro missione. La tensione di queste figure è diretta in senso inverso rispetto a quella delle figure della Sacrestia di S. Lorenzo del Buonarroti: lì le possenti figure michelangiolesche, legate alle candidi superfici marmoree della sagrestia fiorentina, superavano le barriere della dimensione terrena e giungevano, ormai liberate dalla materia, nello spazio cubico vuoto dove venivano spiritualizzate e smaterializzate in una pura luce intellettuale e neoplatonica. Gli angeli-messi di Michelangelo Galliani, al contrario, tentano invano di forzare gli oscuri limiti del mondo profano al fine di scongiurare che le preghiere dell’uomo rimangano, ancora una volta, inascoltate.

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Michelangelo Galliani
L’oratorio dell’inganno
Dal 27 marzo al 15 maggio 2015

Palermo
Giuseppe Veniero Project

Informazioni:
tel. 333.60.66.232

Sito

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00 Mostre Giuseppe Alletto Michelangelo Galliani

Dopo la Transavanguardia

Un viaggio visivo per raccontare la pittura italiana, quella nata subito dopo la Transavanguardia, dalla doppia anima: ora con artisti che iniziarono a esporre negli anni ’80 e ‘90, ora con diversi nomi emersi di recente ma già consapevoli del buon uso linguistico. Una selezione eterogenea, supportata da consensi istituzionali, da una precisa riconoscibilità nel panorama iconografico, da un codice veggente con cui gli autori alimentano la disciplina evoluta del metodo pittorico.

Il curatore della mostra, Gianluca Marziani, prova a mettere a confronto linguaggi differenti, dalle molteplici radici tematiche ed estetiche, commissionando opere racchiuse nel formato 30×30. Un formato che per alcuni, molto pochi in verità, può essere una misura consona per il loro racconto pittorico, per i molti, abituati ai grandi spazi, si rivela un test crudele sottostare ad un vincolo dimensionale di poco più di un foglio.

Una mostra su due livelli espositivi: il primo vede l’inserimento delle minute opere degli artisti contemporanei nella quadreria del museo, mentre il secondo è il lineare susseguirsi, in rigoroso ordine alfabetico, di una seconda opera.

Gianluca Marziani afferma di assumersi la piena paternità delle scelte, quindi le presenze e le assenze, ma questo non toglie che l’excursus, con qualche “giovane” artista degli anni ’80, alcuni prima e vari degli anni successivi, sorvola sulla cosiddetta “Nuova Scuola Romana” di via degli Ausoni, fortunatamente, ma anche su molte altre realtà artistiche.

Per quanto ci si possa mettere d’impegno nel raccontare l’odierna realtà artistica italiana rimangono sempre dei vuoti rappresentativi che potrebbero essere superati con una maggior collaborazione tra artisti e critici nel far circolare una sorta di censimento, perché non è possibile che ci siano così poche donne di valore a fare un racconto di pittura.

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00 Mostre CLOSE UP Palazzo Collicola ANDREA CHIESIArtisti partecipanti: 108, Stefano Abbiati, Silvia Argillosa, Mirko Baricchi, Alessandro Bazan, Valerio Berruti, Danilo Bucchi, Emilio Cafiero, Fabrizio Campanella, Pier Paolo Campanini, Guglielmo Castelli, Andrea Chiesi, Mario Consiglio, Enrico Corte, Pier Paolo Curti, Arnold Mario Dall’O, Gabriele De Santis, Alberto Di Fabio, Fulvio Di Piazza, Mauro Di Silvestre, Stefano Di Stasio, Pablo Echaurren, Stefania Fabrizi, Matteo Fato, Daniele Galliano, Paola Gandolfo, Massimo Giacon, Fausto Gilberti, Silvia Idili, Francesco Impellizzeri, Francesco Irene, Jeffrey Isaac, Laboratorio Saccardi, Francesco Lauretta, Emilio Leofreddi, Massimo Livadiotti, Lucamaleonte, Giorgio Lupattelli, Claudio Malacarne, Franco Marrocco, Mauro Maugliani, Maddalena Mauri, Veronica Montanino, Marco Neri, Andrea Nurcis, Giacinto Occhionero, Ozmo, Vincenzo Pennacchi, Valeria Petrone, Cristiano Pintaldi, Matteo Piovaccari, Luca Pioverai, Gianni Politi, Nicola Pucci, Giuseppe Restano, Roxy in the box, Giuliano Sale, Maurizio Savini, Alessandro Scarabello, Bernardo Siciliano, Croce Taravella, Velasco, Nicola Verlato, Mario Vespasiani e Esteban Villalta Marzi.

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Dal 28 marzo 2015 al 31 maggio 2015

Spoleto (Perugia)
Galleria Civica d’Arte Moderna (Palazzo Collicola)

Ingresso:
intero € 4, ridotto € 2

Orario:
dal mercoledì al lunedì
dalle 10.30 alle 13.00 e dalle 14.30 alle 17.30
chiuso il martedì

Informazioni:
tel. +39 0743/238920
Sito web

A cura di: Gianluca Marziani
Il catalogo della mostra verrà presentato sabato 30 maggio 2015 alle ore 15.00

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L’opera è servita

Con la seconda puntata di Food Art si può gustare l’intera iniziativa ispirata al tema dell’Expo milanese sull’alimentazione, coniugandola con l’arte e il possibile nutrimento intellettuale che le arti visive possono contribuire a dare alle persone.

La mostra è stata presentata come una tavola imbandita, dove gli artisti presentati dallo Studio S si sono confrontati con quelli dello Studio Arte Fuori Centro, in una sorta di coproduzione, tra “opulenti piatti” per una tavola imbandita e i piatti esposti a parete, per un totale di 56 partecipanti.

Una ricca tavolata di una variegata competizione artistica, con opere di differenti tendenze e generazioni, dove non è il cibo a primeggiare, ma la rappresentazione in immagini di cosa può essere inteso un simposio dagli artisti.

Abbiamo l’ingordigia di una vorace bocca che si spalanca sul Mondo di Silvana Leonardi o il Mondo delicatamente adagiato sul piatto in La Pace mondiale di Ana Maria Laurent, il minuzioso raccontare di Seguendo la Luna realizzato da Isabella Collodi e la composizione di Scultura/Gioielli di Alessandra Porfidia, per arrivare alle atmosfere romantiche della Conversazione di Marco Cali’ Zucconi e quelle dagli scherzi futuristi di Danilo Maestosi, per passare al Mistero della rosa di Eugenia Serafini o al Convivio Lacustre, di gusto favolistico, realizzato da Claudia Bellocchi.
Mentre nella “piatteria” dello Studio Arte Fuori Centro risalta la scrittura che Patrizia Molinari offre come Omaggio a Satre, la ceramica “sbucciata” di Teresa Pollidori, le delicate geometrie di Marcello Rossetti e la divertente a formica di Ilia Tufano.

La mostra dello Studio S è una di quelle dove può anche capitare che un piatto catturi l’attenzione per poi scoprire che l’opera non è il piatto ma è stata momentaneamente spostata. Un’imbarazzante occasione per comprendere quanto nell’arte contemporanea si possa dire tutto e il contrario, mascherando il calo creativo con esibizionismo tecnico in frivole bottiglie svolazzanti o snobbare quei lavori realizzati fuori dagli schemi commerciali.

Quella dello Studio S non è la sola iniziativa che prende le mosse dal connubio tra arte e cibo come quella allestita al Liceo Majorana, nell’ambito della 21^ edizione degli Incontri d’Arte Contemporanea, intitolata Arte in scatola, nell’ultima settimana di aprile, per offrire un’occasione agli artisti invitati di cimentarsi con il contenitori e contenuti per una riflessione sulla conservazione più che sul consumo.

Nello spazio del Liceo Majorana, a differenza dallo Studio S, ci si sofferma sulla “preservazione” di un universo culturale fatto anche d’impegno sociale come può far intuire opere dedicate agli alberi come salvaguardia della vita.

Una mostra curata da Anna Cochetti che ha visto la partecipazione di: Bruno Aller, Minou Amirsoleimani, Toni Arch, Claudia Bellocchi, Michiel Blumenthal, Alessandra Bonoli, Fabiola Cenci, Lea Contestabile, Michele De Luca, Luce Delhove, Stefano De Santis, Anna Di Fusco, Lucia Di Miceli, Marisa Facchinetti, Fernando Falconi, Federica Feleppa, F. Filincieri Santinelli, Danilo Fiorucci, Giorgio Fiume, Giovanna Gandini, Guglielmo Girolimini, Salvatore Giunta, Benedetta Jandolo, Silvana Leonardi, Patrizia Lo Conte, Ruggero Maggi, Liliana Malta, E. ILME Marsigliotti, Patrizia Molinari, Mattia Morelli, Alfonso Napolitano, Massimo Palumbo, Michel Patrin, Gabriella Porpora, Lucilla Ragni, Graziella Reggio, Virginia Ryan, Massimo Saverio Ruiu, Claudia Sabellico, Simona Sarti, Alba Savoi, Nicola Spezzano, Franco Troiani, Marco Tronci Lepagier

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Dal 27 marzo al 30 aprile 2015

Roma
Studio S – Arte Contemporanea
via della Penna 59

Informazioni:
tel. 06/3612086

Orario:
lunedì, mercoledì e venerdì mattina
dalle 16.00 alle 20.00
martedì, giovedì e sabato
dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
chiuso domenica e festivi

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ARTE IN SCATOLA
Dal 20 al 27 aprile 2015

Roma
Muditac/Majorana-Roma
c/o Liceo Statale “Ettore Majorana”
via Carlo Avolio, 111

Ingresso:
da lunedì a venerdì
dalle 9.00 alle 14.00
(pomeriggio su prenotazione)

Informazioni:
tel. 06/121127420

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Luce Delhove: Segni sotto tensione

In mostra la presentazione di un doppio insieme di opere inedite di Luce Delhove, opere che, raccolte sotto il titolo “paramètre / suite au noir”, mettono in serrato dialogo due tra le linee portanti in cui si è venuta dispiegando l’articolata ricerca dell’artista, tra la scultura e il disegno.

«Toutes ses œuvres doivent être vécues comme appartenant à un présent à la fois classique et moderne» (Tutte le sue opere appartengono ad un presente sia classico che moderno): è muovendo da questo indizio interpretativo di Gérard-Georges Lemaire (Prefazione, Luce Delhove, Ardoises…, Paris, 2010), che “paramètre / suite au noir: o della misura” intende approfondire i caratteri che costituiscono la qualità specifica e la coerenza dell’impegno etico-estetico di Luce Delhove, individuando nella tensione al raggiungimento della “misura” il topos in cui si raffrontano e si sciolgono la disciplina del modulo matematico-geometrico, che struttura le sculture in ferro, e il pathos che dà sostanza al gesto e al segno di incisioni e disegni, suggerendo leggerezza e movimento nelle sculture e incardinando incisioni e disegni nell’ordine lungo e lento di trame e orditi.

Nel gioco dinamico delle tensioni che sottendono le opere di Luce Delhove agiscono altresì come potenti fattori la dialettica e l’equilibrio tra l’assolutezza del nero, e, per contro, l’epifania della luce, variamente modulati. Un’indagine rigorosa, in definitiva, sull’essenza dello spazio/tempo che si declina e si conforma attraverso una raffinata sapienza tecnica, in grado di avvalersi delle diverse opzioni linguistiche – da considerarsi assolutamente equivalenti – in funzione del raggiungimento dei fini che questa ricerca si pone.

Catalogo e Libro d’Artista (numerato e firmato) in mostra.

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“paramètre / suite au noir”
Fino al 5 maggio 2015

Roma
Storie Contemporanee
Studio Ricerca Documentazione
via Alessandro Poerio, 16/B

Orario:
martedì, mercoledì, giovedì e venerdì
dalle 17.00 alle 19.00
sabato a.m. per appuntamento

a cura di Anna Cochetti

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