Il maggio si sono schiuse le porte per una moderata ripresa alla quotidianità fuori dall’ambito casalingo, aprendo anche i cancelli delle ville romane e con esse quelli di Villa Pamphilj.
La Villa, dopo un paio di mesi di chiusura, è apparsa più trasandè del solito, lasciata un po’ andare con l’erba tagliata a chiazze, rimossa dalla socialità, dalla vita comunitaria della compagnia degli umani non sempre rispettosi.
La pausa dalla frequentazione del pubblico non l’ha salvata dal vandalismo, anzi hanno potuto agire indisturbati anche nelle ore diurne, perché si può chiudere i cancelli, ma sono numerosi i varchi e gli agevoli accessi.
Nel frattempo l’erba viene tagliata, ma le toppe di ghiaia sono rimaste li, gettate sugli avvallamenti che alle prime piogge si trasformano in infide pozzanghere, rimanendo ben visibili per testimoniare la noncuranza per una nobile decaduta.
I raccoglitori compulsivi di fiori e rametti hanno ripreso la loro attività e i ciclisti continuano ad essere poco rispettosi degli altri frequentatori; si dovrebbero istituire corsi di recupero educativo, mentre altri continuano a sporcare, sostituendo le carte all’abbandono di mascherine e guanti.
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Esiste un popolo di frequentatori che ignorano il loro senso di marcia con quello anglosassone, o sono dislessici che confondono la dx con la sx, creando confusione in questa era di distanza fisica, poi ci sono gli imperterriti, ansimanti, sbuffanti e sputacchianti pie veloci che si atteggiano a provetti atleti che la mancanza d’ossigeno al cervello perdono la cognizione delle distanze, rischiando di cadere tra le braccia di un tranquillo camminante, ma ancor più raccapricciante è l’ostentare lo zampettare di bianchicce zampette di pollo
Probabilmente sono persone incappate nell’analfabetismo funzionale, con la loro incapace di comprendere e valutare il rispetto delle regole come strumento per facilitare la propria e l’altrui vita.
La speranza è che presto la Villa possa tornare, dopo questa vorace ansia di uscire, ad una tranquilla frequentazione, senza le grida entusiaste di chi scorge la volpe o l’airone. Forse gli stessi umani che amano condividere con il Mondo, le preferenze musicali, sparate da impianti stereo più costosi delle loro scatolette di latta su quattro ruote.. Oche e papere, cigni e gabbiani sono presenti, ma le anatre multicolori sembrano tenersi nascoste allo sguardo degli umani.
Le persone saranno degli animali sociali per convenienza, ma certamente la gran parte di loro non è socievole se non riesce a godere della natura senza dimostrare rabbia, un’astiosità verso il prossimo che con conosce età e censo.
Diciamolo: tutte queste immagini di Roma e delle città italiane deserte ci piacciono: esteticamente perfette, ci riportano a una visione astratta dell’arte, del paesaggio, dell’urbanistica. E’ l’Italia delle vecchie foto Alinari, dove l’elemento umano è un puro accidente. Roland Barthes già notava in Miti d’oggi che nelle guide blu Michelin città e monumenti vivono nell’assoluto (1) e lo stesso vale per le guide del Touring Club Italiano. Ma piace anche l’idea di una metropoli invasa da cinghiali, anatre selvatiche con paperotti al seguito e magari le capre che brucano l’erba che cresce tra i sampietrini: Madre Natura si sta riprendendo quello che le appartiene e fa piacere vedere i delfini a Trieste, a Venezia e a Salerno, o l’acqua del Po di un colore diverso. Se un barile di petrolio vale oggi meno di un dollaro, vuol dire che tutto è fermo. Ma assai prima del compiaciuto moralismo ecologista (al quale Greta Thunberg finora non si è associata) ci sono state nei secoli centinaia di riflessioni morali sulle rovine della Roma imperiale: a partire dal Medioevo, viaggiatori e pellegrini confrontano fino alla noia la visione dell’Urbe deserta e degradata con la nuova Roma cristiana risorta dalle ceneri pagane. Altrettanto scontata è la visione del’epidemia come castigo biblico per i nostri peccati, stavolta anche ecologici. Ma ora si è aggiunta una variante: le ricche chiese evangeliche americane e alcuni settori ultraconservatori cattolici vedono nella solitudine di Papa Francesco in piazza san Pietro la punizione divina per il pontefice eretico, socialista e anticristo. Niente di nuovo, visto che l’AIDS fu considerato il castigo divino per Sodoma ma non per Gomorra. Stupisce però che un gesto simbolico così forte come quello di Papa Francesco sia stato interpretato ora in modo laico – per Sgarbi è il fallimento della religione (2), ora in modo paranoico, anche se certe correnti religiose non sono nuove a interventi estremi, al limite del patologico. Diversa la reazione islamica: all’epoca delle conquiste l’epidemia riguardava le affollate città infedeli (quindi era meritata) e in seguito – quando toccò a loro – fu vista come equivalente alla morte in guerra o volontà divina (3). Come si vede, le metafore belliche oggi tanto frequenti non sono nuove: la malattia rimanda alla debolezza umana, la guerra al sacrificio collettivo per la vittoria finale. Ma le grandi religioni oggi sembrano più caute: anche se per l’ISIS la pandemia è il flagello contro gli infedeli, questo non rappresenta il pensiero di tutti gli islamici. Piuttosto, le grandi religioni monoteiste si stanno responsabilmente adeguando a tutte le disposizioni sanitarie, ma promuovendo nel contempo la preghiera in casa, la meditazione personale, la fratellanza universale e l’armonia con la natura; in sostanza, una forte spiritualità svincolata dalla rituale riunione collettiva dei fedeli. E come negli anni passati la Radio Vaticana diffondeva in tutto il mondo il messaggio del Papa, oggi ben altri mezzi telematici permettono la partecipazione collettiva al positivo messaggio di speranza.
Ma torniamo all’immagine di Roma come non l’abbiamo mai vista. Tra tanti video ne voglio valorizzare uno, breve (3 minuti), girato il 14 marzo, senza droni e in un quartiere – Testaccio, Porta Portese – diverso dalle solite cartoline. L’ha girato Roberto Di Vito, un videomaker romano indipendente, autore anche di medio metraggi, il migliore dei quali è “Bianco” (2011, 78”) (4). Non è la solita carrellata sulle piazze e i monumenti di una Roma stupenda perché deserta; ricorda piuttosto certe sequenze del regista sovietico Tarkovskji o del suo allievo Lopushanskj, caratterizzate da ambienti reali resi alieni dal disuso, svuotati della presenza umana. Vediamo dunque il video “Emergenza Coronavirus”.
Le immagini sono drammatiche, evocatrici, efficaci nella loro essenzialità, quasi prese di peso da un film di fantascienza. Eppure la videocamera inquadra elementi reali, banali, i quali riescono stranamente a trasformare un video di tre minuti in un documento storico mai visto prima. Inquietante la voce fuori campo che grida: ” Dove sei? Dove sei amico. Vieni qui“. Non sappiamo chi la pronuncia e perché, ma risuona in un vuoto. Ma è un vuoto metafisico, simbolicamente saturo. Tutto questo è ottenuto con mezzi poveri, essenziali, da vero regista indipendente: il valore aggiunto viene prodotto attraverso un procedimento per sottrazione. E qui Di Vito è coerente: continua un discorso iniziato con “Ai confini della città” (1998, 34”), amaro apologo di una civiltà e di più generazioni allo sbando, all’interno di una Roma inedita, svuotata, pronta alla desertificazione che avverrà da un giorno all’altro appena una ventina d’anni dopo.
Note:
Roland Barthes, Miti d’oggi. Torino, Einaudi, 1962 e successive ristampe.
Lo stesso Sgarbi ha difeso invece il parroco Lino Viola quando questi ha voluto celebrare messa con un ristretto numero di fedeli e sono intervenuti i Carabinieri. In questo caso Sgarbi è intervenuto in nome delle libertà sancite dalla Costituzione.
La peste di Giustiniano. Seconda parte: l’influenza dell’epidemia sulla formazione dell’impero islamico, a cura di Sergio Sabbatani et alii, in Le infezioni in Medicina, 2012, 3.
Un
tempo correva il detto “meglio un morto in casa che un marchigiano fuori della
porta”, era l’espressione della forte avversione dei romani nei riguardi degli
esattori delle tasse che Papa Sisto V, marchigiano, aveva scelto tra i suoi
corregionali. Ma ormai sono passati secoli ed ora Roma festeggia un marchigiano
illustre, Raffaello Sanzio, ospitando, nei suggestivi spazi delle Scuderie del
Quirinale, una imponente mostra sull’artista.
Raffaello
nacque ad Urbino nel 1483, figlio di Giovanni Santi pittore, scrittore, poeta,
intellettuale di valore inserito nell’ambiente umanistico della corte dei
Montefeltro signori di Urbino. Raffaello iniziò il suo apprendistato presso il
padre, e dopo la sua morte nel 1494, il giovanissimo artista continuò a
frequentare la bottega paterna e successivamente fu a lungo con il Perugino.
Insieme con Evangelista di Piero di Meleto lavorò a Città di Castello decorando
uno stendardo con la Santissima Trinità, passò poi a Perugia dipingendo la
“Pala Colonna “ e la “Pala Oddi”; si spostò a Siena collaborando con il
Pinturicchio negli affreschi della Libreria Piccolomini e a Firenze dove
dipinse lo “Sposalizio della Vergine” ed ebbe i primi rapporti con la pittura
di Leonardo da Vinci.
La
fama raggiunta lo portò a lavorare in varie città dell’Italia Centrale finché
Papa Giulio II Della Rovere lo chiamò a Roma per affrescare le Stanze
dell’Appartamento Papale; contemporaneamente dipinse nel 1507 la famosa “Pala
Baglioni” e il noto ritratto di Giulio II. Ebbe ottimi rapporti con il nuovo
Papa Leone X Medici che gli affidò numerose commissioni e lo nominò
Sovrintendente ai lavori architettonici della Basilica Vaticana e alle
antichità archeologiche di Roma verso le quali Raffaello aveva un particolare
interesse. Fu amico di Agostino Chigi all’epoca il più noto e ricco banchiere,
mercante e imprenditore dell’intero mondo occidentale, che aveva fatto
costruire dall’architetto Baldassarre Peruzzi una fastosa villa extraurbana,
ora nota coma “la Farnesina” dal nome dei successivi proprietari, e Raffaello
vi affrescò il “Trionfo di Galatea” e, con i suoi aiuti, la “ Loggia di Psiche”.
Dipinse la “Fornarina “, forse una sua amante, e per vari committenti la
“Madonna di Foligno”, la “Madonna Sistina, l’”Estasi di S. Cecilia”, la
“Madonna della Seggiola”; per il Papa preparò i cartoni degli arazzi della
Cappella Sistina tessuti poi nelle Fiandre e come architetto si occupò dei
progetti di Villa Madama, Palazzo Braconio dell’Aquila e Palazzo Alberini.
Affrescò, con i collaboratori, le Logge Vaticane e nel 1516 iniziò a dipingere la
“Trasfigurazione” rimasta incompiuta.
Morì
improvvisamente il 4 aprile 1520, Venerdì Santo, e come da suo desiderio fu
sepolto nel Pantheon; una settimana dopo morì il suo grande amico e mecenate
Agostino Chigi. La sua morte gettò nella costernazione l’intero mondo artistico
ed intellettuale dell’epoca in quanto Raffaello era stimato e apprezzato dagli
uomini ed adorato dalle donne che l’artista frequentava con un impegno sovente
eccessivo come maliziosamente citato dalle fonti contemporanee. Il “Divino
Pittore” era affabile e di buon carattere, ben diverso dallo scontroso
Michelangelo, frequentava la corte pontificia e le famiglie nobili apprezzato
per le sue qualità, la cultura e le buone maniere. Aveva organizzato una
fiorente bottega con aiutanti di gran valore il che gli permetteva di produrre
opere in gran numero e di ottima qualità; i suoi principali collaboratori
furono Giovanni Penni, Perin del Vaga, Giulio Romano, Giovanni da Udine, l’incisore
Marcantonio Raimondi e lo scultore Lorenzetto tutti destinati in futuro a buona
fama.
La
mostra è stata organizzata per ricordare i 500 anni trascorsi dalla morte
dell’artista ed espone circa 200 opere delle quali 120 assegnate alla mano
dell’Urbinate; i quadri sono poco più di una ventina il resto sono disegni e
bozzetti, purtroppo la parte più grandiosa di quanto prodotto dalla bottega di
Raffaello è costituita da affreschi per loro natura inamovibili; il resto di
quanto esposto è costituito da reperti archeologici, incisioni, disegni,
riproduzioni di altri artisti per far comprendere quale fosse il mondo artistico
dell’epoca. La mostra è articolata in maniera singolare, si svolge in ordine
cronologico al contrario partendo dalla morte di Raffaello risalendo poi fino
agli esordi; anche nel titolo della mostra le date di nascita e morte sono
invertite 1520-1483.
La
mostra, coerentemente, si apre con la riproduzione, a grandezza reale, della
tomba sovrastata dalla Madonna scolpita da Lorenzetto e prosegue esibendo un
autoritratto di Raffaello sulla trentina, con una inconsueta barba, e i dipinti
di due suoi grandi amici gli intellettuali umanisti Pietro Bembo e Baldassarre
Castiglione; il ritratto di un altro amico, Fedra Inghirami, è al piano
superiore. In una bacheca è esposta una lunga lettera, di pugno del pittore e
conservata all’Archivio di Stato di Mantova, nella quale Raffaello, coadiuvato
da Baldassarre Castiglione, scriveva a Papa Leone X lamentando l’incuria nella
quale erano tenute le antichità romane. Il Papa accolse la proposta e Raffaello
divenne il sovraintendente alla curatela delle antichità archeologiche che
amava intensamente e che erano per lui fonte inesauribile di ispirazione.
Una
sala espone due arazzi, tessuti nelle Fiandre, predisposti per la decorazione
della Cappella Sistina ed ora nei Musei Vaticani; Raffaello ne dipinse i
cartoni; i 7 rimasti sono ora in Inghilterra ed in mostra è esposta la
riproduzione di uno di essi, a grandezza naturale, posta di fronte al
corrispondente arazzo vaticano. Il piano superiore accoglie i visitatori con
tre ritratti di donne: una sconosciuta, opera giovanile, e due notissime, la
“Fornarina” e la “Velata”.
Altre
sale esaminano le attività dell’Urbinate in campo architettonico con molti suoi
disegni per progetti per la Basilica di San Pietro e per la Villa Madama, su
una parete spicca la riproduzione della facciata del non più esistente Palazzo
Braconio dell’Aquila in Borgo. In altre sale diverse Madonne tra cui quelle
“della Rosa”, “dell’Impannata” e “Tempi “corredate da numerosi interessanti
disegni preparatori. Con i vivaci toni rossi delle vesti spiccano i ritratti di
Papa Giulio II e di Leone X; la grande tela dell’“Estasi di Santa Cecilia” è
posta a confronto con un busto di Iside che condivide con la Santa la singolare
acconciatura dei capelli. Le ultime sale espongono dipinti giovanili ancora
legati allo stile dei pittori dell’ultimo ‘400 e prima dell’incontro con
l’innovativa arte di Leonardo.
La
mostra si chiude con il famosissimo autoritratto di Raffaello all’età di circa
venti anni fiancheggiato dal quadro della “Dama con l’Unicorno”.e dalle
immagini di due giovani nobiluomini purtroppo anonimi La mostra è piacevole,
interessante, scientificamente valida, unico piccolo neo, come accade sovente,
i cartellini esplicativi sono spesso poco leggibili.
Accanto all’esposizione delle opere sono previste numerose iniziative quali lezioni, incontri, conferenze, laboratori.
Raffaello.1520-1483: Una passeggiata in mostra Una visita virtuale per superare le ristrettezze sociali imposte dalla situazione pandemica
Raffaello 1520-1483 Dal 5 marzo al 2 giugno 2020 Proroga dal 2 giugno al 30 agosto 2020
Presso
la Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini è stata presentata una
mostra dedicata ad Orazio Borgianni un valente pittore operante tra gli ultimi
decenni del ‘500 e l’inizio del secolo successivo troppo sbrigativamente
definito “un caravaggesco”.
Il
nostro artista nacque a Roma del 1576 ed iniziò il suo apprendistato presso
botteghe di pittori manieristi: successivamente lavorò il Sicilia ed in Spagna
maturando e raffinando il suo stile ispirandosi anche a El Greco con il suo
violento luminismo e le caratteristiche figure allungate. Rientrato a Roma all’inizio
del ‘600 aderì alla corrente caravaggesca pur avendo forti contrasti di natura
personale con il Merisi; la sua pittura mostra una tecnica libera e pastosa con
effetti di luce e vivi contrasti. Morì a Roma nel 1616.
La
mostra prende in esame il periodo di attività a Roma ed espone alcune sue opere
accompagnate da altre di pittori suoi contemporanei. L’ esposizione è suddivisa
in due parti: 18 dipinti sono di sua mano mentre 17 sono di altri artisti, più
precisamente i suoi contemporanei Carlo Saraceni, Antiveduto Grammatica,
Giovanni Lanfranco, Simon Vouet, Giovanni Serodine, tranne il Lanfranco gli
altri fanno riferimento più o meno marcato allo stile del Caravaggio; sono
stati scelti per dare una visione complessiva di quale fosse la vita culturale
a Roma nei primi due decenni del ‘600.
Altri
dipinti appartengono a pittori di poco successivi ma che mostrano di aver
assorbito la lezione del Borgianni, sono valenti anche se non di primissimo
piano ma aprono la strada all’arte barocca: Marcantonio Bassetti, Carlo Bonomi,
Guido Cagnacci, Tanzio da Varallo, Loris Tristan, Claude Vignon e Gian
Francesco Guerrieri.
Tra
i dipinti del Borgianni ne spiccano due inseriti nelle collezioni di Palazzo
Barberini: l’Autoritratto dell’artista e una splendida Sacra Famiglia con un
notevole inserto di natura morta consistente in una culla con panni di vari
colori, seguono una visione di San Francesco proveniente da una chiesa di
Sezze, un Cristo fra i dottori ora ad Amsterdam, un San Carlo Borromeo da
sempre conservato a Roma nella chiesa borrominiana di San Carlino alle Quattro
Fontane; tutte queste opere risentono di una impronta caravaggesca
caratterizzata dall’uso della luce e sono eseguite con una tecnica pastosa,
realistica e ricca di colore. I dipinti dei pittori degli anni successivi
seguono, sia pure in maniera differenziata, l’impostazione di stile suggerita
dal Borgianni.
La mostra è collegata a vati eventi: una giornata di studio sull’artista per il 28 maggio, quattro visite guidate, incluse nel prezzo del biglietto, per date che nella attuale emergenza potrebbero essere variate e due appuntamenti per bambini.
Le Gallerie Nazionali di Arte Antica danno inizio, sui canali social, alla nuova rubrica “Le pillole del curatore”
Più
precisamente un quadro del pittore olandese Rembrandt, in possesso del
Rjikmuseum di Amsterdam, è esposto per alcuni mesi presso la Galleria Nazionale
di Arte Antica di Palazzo Corsini dove era stato dal 1737 al 1799 nella
collezione dell’omonima famiglia principesca. Rembrandt Harmenszoon van Rjin
nacque a Leida nel 1606 e giovanissimo iniziò a frequentare gli studi di buoni
pittori della sua città e, poco più che ventenne, aprì una sua bottega che gli
procurò ben presto una vasta notorietà; ebbe anche grandi dolori per la morte
della moglie e di alcuni figli.
Nel
1631 si trasferì ad Amsterdam lavorando
senza posa e producendo dipinti, spesso firmati, incisioni e disegni con soggetto mitologico, storico, religioso,
biblico insieme con numerosi fascinosi
paesaggi. Negli ultimi anni di vita ebbe problemi economici e dovette vendere
la casa e i molti quadri della sua collezione; morì nel 1669.
Contrariamente
a parecchi artisti suoi contemporanei non visitò mai l’Italia ma molto si
ispirò alla pittura caravaggesca, usò il chiaroscuro, sfruttò effetti di luce
ed ombra, utilizzò colori ad olio decisi ottenendo cromatismi di grande
spessore. Il quadro esposto è noto come
“l’Autoritratto come San Paolo” ed è uno dei tanti dipinti , di vario soggetto,
nei quali l’artista amava autorappresentarsi; l’identificazione con l’Apostolo
è dato da un fascio di fogli in mano, le Epistole, da una piccola spada tenuta
in grembo e da una poco visibile inferriata rappresentante le prigioni che
ospitarono il Santo. E’ dipinto nello stile degli ultimi anni di vita
dell’artista con pennellate larghe e pastose, è su fondo scuro e brillante su
cui spiccano il chiarore del volto e il bianco del turbante.
La
storia del quadro è lunga e complessa;
firmato e datato nel 1661 lo si trova più di trenta anni dopo nell’inventario
postumo di un collezionista parigino, in data ignota passò nella collezione del
pittore francese Vleughels, direttore dell’Accademia di Francia a Roma e alla
sua morte, intorno al 1737, la vedova lo vendette al Cardinale Neri Corsini
nipote del Papa Clemente XII. Rimase nel palazzo principesco, esposto nella
“Galleria dei quadri”, fino al 1799 quando a Roma arrivarono le truppe francesi
di Napoleone che imposero sia al Papa che alle famiglie nobili gravose
contribuzioni in denaro. In assenza del Principe Tommaso, che si trovava in
Sicilia, il maestro di casa, Ludovico Radice, propose la vendita di alcuni
quadri e, nonostante l’opposizione del principe, concordò con un mercante, in
cambio di 3.500 scudi, la cessione di 25 dipinti tra i quali il nostro.
l Corsini riuscì a riavere indietro 9 quadri tuttora presenti in Galleria mentre gli altri attraverso mercanti d’arte inglesi andarono all’estero. Il Rembrandt passò per varie mani e diverse collezioni per giungere, nel 1936, ai coniugi de Bruijn che nel 1960 lo donarono al museo che tuttora lo ospita. La mostra espone in una sala il Rembrandt con di fronte il quadro settecentesco del Cardinale Corsini insieme con lo zio Papa, intorno parecchie incisioni dell’artista olandese, per le quali era famoso, provenienti dalla raccolta Corsini ed ora all’Istituto Centrale per la Grafica; tra loro due molto celebri: “I cento fiorini” e “I tre alberi”.
In una saletta laterale un piccolo quadro con il ritratto del Principe Tommaso Corsini e due incisioni di inizio ‘800 una delle quali di Charles Turner; una vetrina ospita lettere e documenti, provenienti dall’archivio Corsini, che hanno permesso di ricostruire le tormentate vicende dell’opera.
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